OPEN MAD

Murate Art District collabora ogni anno con centinaia di artisti nazionali e internazionali a progetti artistici, performativi, fotografici, rendendo partecipe la cittadinanza e la comunità dell’intenso lavoro di ricerca che viene svolto nella nostra città.

MAD apre le porte dal 23 al 27 ottobre 2024: incontri, riflessioni, performance, talk e convegni. Cinque giornate all’insegna della condivisione tra artisti, curatori e pubblico, per prendere parte alla quotidianità di MAD, davanti e dietro le quinte, approfondendo il tema della cura.

Open Studio – Something not Right

LIAN GUODONG, LEI YAN / L-SQUARE PERFORMANCE

Parte del progetto CRISOL – creative processes, coordinato da Fabbrica Europa e finanziato dal Ministero della Cultura / programma Boarding Pass Plus, Something not Right è il risultato di un percorso di creazione iniziato con una residenza a Changsha (Cina) tra luglio e agosto 2024 e che prosegue a Firenze.

Durante questo Open Studio a MAD i performer italiani, Michele Scappa, Pierandrea Rosato e Katatonic Silentio, e gli artisti cinesi coinvolti nel progetto raccontano e mostrano il processo che ha portato alla creazione dello spettacolo.

La dimostrazione è guidata dai co-creatori della performance, Lian Guodong e Lei Yan, insieme al produttore esecutivo del progetto Fabrizio Massini.

K.I.T.S.C.H.

Karaoke is the Supreme Challenge (primo studio)

Ideazione e Coreografia Camilla Giani
Performer Chiara Casiraghi
Lighting design Gabriele Termine
Sguardo esterno Francesca Foscarini/Cosimo Lopalco
Produzione Compagnia degli Istanti
Con il sostegno di MAD Murate Art District

NO EXPLANATION NEEDED

Curated by Giada Matteini/WADE and Vangeline
Created and interpreted by Vangeline with the artists of WADE

Vangeline will lead a five-day WORKSHOP on Butoh, Sensuality, and the Nervous System with the support of mindful practices by Giada Matteini.

The week will culminate in a free performance: a feminist representation of moving bodies of all genders, who are passionate against the oppression of prescribed and limited identities.

WADE’s research and artistic impact:

WADE is a female led not-for-profit arts organization born with the desire to bring awareness to gender-based violence and to highlight the power of art in playing a critical role in civil society. WADE supports various strategies for the representation of women in the art world and by exploring mindful and holistic practices for female bodies in dance and life.

The company offers numerous points of entry into art and activism through educational programs and curated festivals in the US and Europe.

Florencing with the Arts

Memory of Omens

tuesday, June 25th

at 6:00 and 6:45 p.m

Memory of Omens reimagines the myth of Orpheus through a feminist lens, drawing inspiration from Alda Merini’s poem “The Presence of Orpheus” and RIVA, a multifaceted artistic project promoted by the MUS.E Association and developed by Murate Art District under the artistic direction of Valentina Gensini.

LE MANTE

martedì 18 giugno

ore 18:00

Martedì 18 giugno sarà presentata una tappa del progetto LE MANTE – incursioni performative nel paesaggio urbano fra mercati e tramonti, progetto vincitore del Bando Estate Fiorentina 2024.

Memory of Omens reimagines the myth of Orpheus through a feminist lens, drawing inspiration from Alda Merini’s poem “The Presence of Orpheus” and RIVA, a multifaceted artistic project promoted by the MUS.E Association and developed by Murate Art District under the artistic direction of Valentina Gensini. This dance piece interweaves subtle gestural movement, complex spatial patterning, and athletic partnering, with a dance video shot along the Arno River and on the Firenze streets of Via Dell’Inferno, Via Del Purgatorio, and Via Del Limbo. Like the river, which both nurtures and consumes, our performance explores the cyclical nature of life and death, light and dark, chaos and calm. Through the power of female creativity and perspective, we delve into the fluid dynamics of existence, echoing the constant ebb and flow that defines both the natural world and the human experience.

Performance

Agorà / aet.24 (sonata arcaica)

mercoledì 27 marzo ore 18:00

Museo di Antropologia e Etnologia, Via del Proconsolo 12, Firenze – Sala 17 – 1° piano

La performance Agorà/aet.24 (sonata arcaica) del sound artist SADI è parte del progetto Agorà, realizzato nel carcere duro delle Murate grazie al bando residenze MAD Murate Art District con la curatela di Veronica Caciolli e Valentina Gensini.

Per la composizione destinata al museo – che si svolgerà nella sala 17 denominata Africa: esplorazione, colonialismo, popoli minacciati – SADI si è ispirato agli strumenti musicali conservati nel museo, risalenti in particolare alla Missione Eritrea del 1905-1906. Si tratta di una spedizione finanziata dal Ministero della Pubblica Istruzione allo scopo di studiare gli usi e i costumi delle popolazioni residenti sull’altopiano dell’Assaorta, e di tratteggiare le mappe etniche, geografiche e geologiche dell’intero territorio. Ne fecero parte l’antropologo Aldobrandino Mochi, l’etnologo Lamberto Loria, il geologo Giotto Dainelli e il geografo Olinto Marinelli. Significativamente, tra gli obiettivi della missione c’era anche l’acquisto di manufatti per il museo. Oltre ad oggetti di uso comune e cerimoniale, si trovano infatti esposti nelle sale anche strumenti musicali, a corda e a percussione, in legno e in pelle.

Come per l’installazione sonora permanente realizzata nel carcere duro delle Murate, SADI intende “dare voce” a questi strumenti resi muti e rinchiusi in vetrine, concentrandosi in particolare su aerofoni e cordofoni: come il melekhet e il messangò (tromba in legno e lira a sei corde appartenenti al popolo degli Amhara), a cui si aggiunge un altro strumento tradizionale etiope, il masenqo (strumento a corda unica). Attraverso la ricostruzione di questi strumenti, la sonorizzazione di SADI intende svilupparne la timbrica originale tramite un linguaggio contemporaneo teso alla ricerca dell’espressività arcaica

Ingresso gratuito senza prenotazione. 

Per maggiori informazioni contattare il museo:
055 2756444

Allenamento fisico, analisi del gesto e improvvisazione condotto da Paolo Mereu.

Laboratorio permanente per allenare e riflettere sui linguaggi del corpo; aperto a tutti coloro che hanno interesse a coltivare una educazione fisica e abbiano il desiderio di esplorare le potenzialità che possono
generarsi.

Un luogo che vuole tutelare le diversità dei linguaggi nate da una autentica necessità individuale.

Laboratorio di danza

a cura di Claudia Catarzi

da febbraio a giugno 2024, tutti i lunedì 20-22.30h

Questo laboratorio a più tappe si rivolge contemporaneamente a professionisti o semi-professionisti e a tutti coloro che sentono il desiderio di avvicinarsi per la prima volta all’indagine sul movimento, partendo da motori fisici oltre che dal pensiero di poter trattare il proprio corpo come materia modellabile e sperimentabile alla stregua stessa di come gli artisti visivi si approcciano alle materie e agli elementi che decidono di lavorare.

Il percorso sarà basato sulle linee guida del più recente lavoro dell’artista, Claudia Catarzi, di ricerca e creazione, e verrà incentrato sullo studio in contatto, sui concetti di peso, di massa e di forma che arriva ad assumere il corpo. Partendo da esercizi di riscaldamento semplici, la proposta sarà di esplorare sistemi di struttura a due o più corpi alla volta, per trovare nuove possibilità di movimento ma sempre in reciproca interdipendenza.

Questo laboratorio vuole stimolare a un modo possibile di approcciare la danza, è una porta di ingresso per trovarsi in un viaggio co-creato, dove il risultato è la somma di due o più persone, due o più corpi, due o più intenzioni.

È una via quindi per allontanarsi momentaneamente dal pensiero dell’essere sempre “centrali”, per immaginarsi in un tempo limitato dell’esperienza, parte di un nuovo organismo realizzato in collaborazione.

In ultima analisi, pur rimanendo un viaggio condiviso, questo percorso è un’esperienza che attraverso lo studio in relazione collabora contemporaneamente a creare una fortissima consapevolezza del movimento individuale ed arricchisce quindi il proprio bagaglio personale nutrendolo da dentro.

OBIETTIVI:

• conoscere la struttura corporea (scheletrica e muscolare) usando l’altro come specchio di sé stessi
• arrivare in posti dove un corpo singolo non può arrivare (per esempio fuori equilibri, posizioni aeree..)
• stimolare il movimento dalla sensazione data dal contatto, associata all’intuizione immaginativa (scultorea/materica)

Parallelamente quindi usare questi strumenti come input per sviluppare la propria indagine e lasciare l’intuizione guidare le proprie scoperte.

La proposta è aperta a danzatori, attori, musicisti, professionisti e amatori del movimento e a tutti coloro che sono interessati a sperimentare e prendere coscienza del proprio corpo e delle sue potenzialità.

Per info e iscrizioni: organizzazione.catarzi@gmail.com

MYSTERIES‭ ‬3.0‬
La dimora di Ade

21‭ ‬e 22‭ ‬dicembre 2023‭ | ‬ore 21.00‬‬‬

Ideazione e regia‭ ‬Francesco Gori‭ ‬‬‬

Musiche dal vivo‭ ‬Francesco Gherardi‬
con la partecipazione di Tomoharu Peñ‬a Tada‭ ‬

Con‭ ‬il collettivo di partecipanti al laboratorio di teatro rituale “Chi ha paura delle Baccanti?” ‬
Assistenza alla regia‭ ‬Chiara Zavattaro‭ ‬‬‬
Assistenza alle musiche‭ ‬Lorenzo Pellegrini‭ ‬‬‬
Coreografie e costumi‭ ‬Laura Secci‭ ‬‬‬
Art‭ ‬Giulia Bonechi‭ ‬‬‬
Grafica‭ ‬Silvia Catani‬

Ogni anno gli antichi Greci prendevano parte ai Misteri, riti iniziatici che si aprivano con un festoso corteo per le vie di Atene e culminavano in una cerimonia segreta nel santuario di Eleusi.
Ogni inverno, da tre anni, Genius Loci Performance riporta in vita il rito eleusino con una grande performance immersiva negli ambienti dell’ex carcere delle Murate. Quest’anno ci inoltreremo nell’oscuro regno di Ade: un collettivo di oltre 40 performer accompagnerà il pubblico fino al fondo degli Inferi, per risalire infine verso la luce.

La performance è una creazione del laboratorio “Chi ha paura delle Baccanti?” attualmente in residenza presso MAD.

Prenotazione obbligatoria. Per info e prenotazioni
info@geniuslociperformance.com

IL COCCODRILLO DI DOSTOEVSKIJ

Lettura di e con Tommaso Taddei

Racconto veritiero di come un signore di una certa età e di un certo aspetto fu inghiottito vivo, tutto intero, dal coccodrillo del Passage, e di quanto ne conseguì. Un’occasione per aprire al pubblico il lavoro di avvicinamento alla costruzione di uno spettacolo teatrale tratto dall’omonimo racconto di Fedor Dostoevskij.

Pietroburgo, anni sessanta dell’ottocento, in un negozio del Passage, l’elegante galleria commerciale da poco inaugurata, un tedesco espone a pagamento un coccodrillo. Il funzionario Ivan Matveic e la sua bella moglie Elena Ivanovna vanno ad ammirare l’esotica attrazione con un amico di famiglia. Ma quando Ivan Matveic cerca di solleticargli il naso con un guanto il coccodrillo lo inghiotte in un sol boccone. Sventrare l’animale sembrerebbe l’unica soluzione. L’uomo però sta bene, anzi, insiste per volersene stare lì dentro, decantando questa o quella meraviglia della sua nuova incredibile condizione. Lontano dagli svaghi mondani, sostiene potrà dedicarsi a migliorare le sorti del genere umano, e dall’interno del coccodrillo verranno la verità e la luce.

Il racconto, incompiuto e paradossale, rivela un inedita comicità di Dostoevskij che utilizzando il corpo come metafora e anticipando altre e più tremende metamorfosi novecentesche, ci accompagna in una riflessione attorno al concetto di verità. L’autore definì Il coccodrillo una birichinata letteraria scritta soltanto per far ridere, ma al suo interno troviamo, tra il grottesco e l’assurdo, riflessioni, implicazioni filosofiche, sociologiche e politiche che, a distanza di un secolo e mezzo, parlano a noi contemporanei e al nostro mondo come solo un “classico” riesce a fare.

Un Progetto di GOGMAGOG con il sostegno di Regione Toscana/Sistema Regionale dello Spettacolo e BANDO SPETTACOO DAL VIVO 2023 Fondazione CR Firenze.

Ingesso gratuito fino ad esaurimento posti, senza obbligo di prenotazione.

Per maggiori informazioni
055 2476873
info.mad@musefirenze.it

Rosso cinabro

di e con Elisa Biagini
produzione e regia: Fosca

Rosso cinabro è la nuova produzione di Fosca in collaborazione con la poetessa Elisa Biagini che utilizza il testo poetico e l’elemento sonoro per raccontare la dimensione del soggetto miniera come metafora e tematica artistica in relazione alla drammaturgia della scena.

tra gli alberi di dentro è quanto sbriciolato,
quanto fino ad adesso non sognato:
il suono lasciato fuori è l’affanno
della luce tra la carta e la carne

E. Biagini

Progetto realizzato con il contributo di Regione Toscana e con la collaborazione di MAD Murate Art District.

Per maggiori informazioni
055 2476873
info.mad@musefirenze.it

ANNULLATO

Performance

Intimi dialoghi di rabbia

Sabato 9 Dicembre 2023 avrà luogo alle ore 20:00 la performance Intimi dialoghi di rabbia, interpretata da Kelly Erhunse, con la regia e la direzione artistica di Claudio Suzzi e le musiche composte ed eseguite da Vincenzo Zingaro.

In Intimi dialoghi di rabbia il teatro si fa luogo di condivisione per affrontare, insieme alla comunità, tematiche sociali su cui è sempre più urgente riflettere: la rabbia giovanile e la violenza di genere. La performance affronta questi temi, scelti in base a necessità espressive derivanti sia dalla storia personale dell’interprete Kelly Erhunse che da attuali notizie di cronaca, utilizzando testi letterari individuati e rielaborati attraverso un importante lavoro artistico guidato dal regista Claudio Suzzi.

L’evento è realizzato con il contributo della Regione Toscana in ambito sociale a soggetti del Terzo Settore anno 2023.

Per prenotazione (consigliata) e informazioni:
organizzazione@interazionielementari.com

Fosca presenta

E/O, la particolare storia di Orfeo e Euridice.

regia: Katiuscia Favilli
performer: Gea Gambone e Paolo Mereu
musiche: Davide Woods

La nuova indagine di Fosca sul mito ha l’obiettivo di creare una nuova trilogia per il teatro delle nuove generazioni. Orfeo e Euridice nasce dall’esigenza di parlare della morte ai bambini e alle bambine. E/O è relazione tra due personaggi e tra la trasformazione di un corpo che diventa immateriale. Il fantasma come immagine iconografica familiare e di facile lettura per l’infanzia. La rappresentazione dell’assenza del corpo diventa in scena un gioco, in cui Euridice copre e scopre se stessa di fronte a un Orfeo incapace di restituirla alla vita. Il primo studio utilizza lo strumento musicale dal vivo in sostituzione della parola poetica.

Progetto realizzato con il contributo di Regione Toscana e la collaborazione di MAD.

Per informazioni
055 2476873
info.mad@musefirenze.it

Chi ha paura delle Baccanti?

Laboratorio di performance sul corpo rituale

Le Baccanti fanno rumore.

Le baccanti battono la terra con i piedi.

Le Baccanti portano in città lo spirito della foresta.

Le Baccanti sono donne e uomini che cantano e danzano.

Le Baccanti sono folli, non appartengono a sé, ma a Dioniso,

dio dell’estasi, della maschera, del Teatro.

Dioniso il “nato due volte”, dilaniato dai titani e poi risorto, per i Greci era il dio dell’iniziazione oltre che il dio della tragedia. Quando uno spettacolo non piaceva il pubblico gridava “nulla a che vedere con Dioniso!”. Agli ateniesi non bastava divertirsi quando andavano a teatro: volevano la verità. Volevano vedere la luce che nasce dall’oscurità.

 DIVENTA BACCANTE!

Il laboratorio è concepito come un viaggio nel proprio corpo, nelle proprie emozioni, nella propria fantasia creatrice, sulle tracce del mito di Dioniso: per diventare baccante, infatti, non basta conoscere Dioniso, bisogna riconoscerlo in sé, diventare Dioniso.

MITO, RITO, RITMO. Nel laboratorio si sperimentano diverse pratiche delle arti performative, combinando elementi di teatro fisico, movimento autentico, body music, canto, recitazione e danza butoh. Ogni sessione è accompagnata da musiche, percussioni e sonorizzazioni dal vivo.

Il percorso culminerà a giugno con una performance collettiva nello spazio pubblico. Nel corso dell’anno, il gruppo di partecipanti avrà occasione di sperimentare altri momenti di creazione e di incontro con il pubblico.

Per chi: Il laboratorio è rivolto a tutti (dai 18 anni di età), anche privi di esperienza pregressa.

Quando: Ogni mercoledì dalle 20:30 (arrivo alle 20.15) alle 23.00, dal 4 ottobre 2023 a giugno 2024.

Dove: MAD – Murate Art District

Condotto da: Francesco Gori e Francesco Gherardi

Per partecipare agli incontri di prova è necessario prenotare.

info e prenotazioni: info@geniuslociperformance.com

web: https://www.geniuslociperformance.com

LIFE OF FLOWER

Masterclass di danza Butoh condotta da ATSUSHI TAKENOUCHI

con musiche originali dal vivo di HIROKO KOMIYA

La masterclass è concepita come un’introduzione ai principi di Jinen, l’antica parola shinto che designa lo “Spirito della Natura”. Non richiede alcuna esperienza pregressa di danza butoh ed è aperta a danzatori, attori, terapeuti, ai praticanti di tutte le discipline del movimento e a chiunque desideri risvegliare il proprio fiore interiore attraverso il corpo in movimento.

I partecipanti saranno accompagnati dal venerdì 27 a domenica 28 a vivere nel loro corpo, attraverso la danza, la vita e la morte del fiore, che trae la sua esistenza dall’oscurità per offrire all’universo i propri colori.

La pratica avrà una durata di 7 ore al giorno e si concluderà la domenica sera con una performance collettiva.

Info e prenotazioni: info@geniuslociperformance.com

Open Call per perfomers

“LIBERTÀ CLANDESTINE”

dell’artista Mariana Ferratto

MAD Murate Art District, Firenze

LIBERTÀ CLANDESTINE è un progetto di mostra che affronta gli spazi di “libertà” e creatività clandestina che i prigionieri politici argentini riuscivano a conquistare durante la dittatura argentina del 1976-83. La mostra è un complesso di opere connesse tra loro, che ruotano intorno a due progetti centrali: Memoria della materia e Affiorare. Il primo è un progetto di ricerca artistica vincitrice dell’Italian Council 2022 per il sostegno alla ricerca internazionale di artisti, curatori e critici. Affiorare, invece, è un progetto sviluppato attraverso la residenza di produzione del Mad (Murate Art District) di Firenze nel periodo dicembre-gennaio 2022/2023.

A settembre-ottobre 2023 l’artista sarà nuovamente in residenza presso gli spazi del MAD Murate Art District con l’intento di collaborare e lavorare ad un nuovo progetto con un gruppo di performer.

È quindi aperta l’open call per performer, con l’invito a partecipare a un ciclo di incontri e performance finale che avrà luogo durante l’inaugurazione. Le candidature devono essere inviate entro mercoledì 6 settembre.

Per candidarsi e per maggiori informazioni

055 2476873

info.mad@musefirenze.it

On Thursday July 20th the third and final event of the ensembles of the European Chamber Music Academy Session Fiesole will take place. It is a scenic action based on “Die Sieben Letzten Worte Unseres Erlösers Am Kreuze” by Haydn, conceived by Alexander Lonquich for the Alioth Quartet, who have been perfecting it at the school with the Cuarteto Casals and Heime Müller.

In 1787, Haydn arranged a version for string quartet of the Seven Last Words, which he had composed the previous year for an orchestral ensemble during the Good Friday celebrations in the Cadiz Cathedral. The first performance made a great impression on the composer, with the church adorned in black drapes, a single lamp in the center, and the celebrant prostrating himself in front of the altar after each of the seven words while the music filled the sacred space. The structure of the work resembles a sacred representation, which is why it was decided to build a true theatrical action around the Seven Words.

Admission is free, but reservation is mandatory by sending an email to relazioniesterne@scuolamusica.fiesole.fi.it.

For more information

Phone: 055 2476873

Email: info.mad@musefirenze.it

Saturday 8th of July at 8:00 pm. Free entrance.

Con questo lavoro su Don Giovanni INGRATE intende continuare il processo di sperimentazione che ha come scopo una destrutturazione ed espansione dei repertori, delle forme classiche e della forma Opera in particolare, tentando di “disturbarle” e ricomprenderle profondamente, in un’ottica molteplice e contemporanea. In questo contesto i linguaggi artistici si combinano in nuove interpretazioni e il materiale di origine (formalmente e contenutisticamente) si espande in nuove forme ibride e ricomposte.

I video-appunti coreografici di Letizia Renzini, Marina Giovannini e Lucrezia Palandri guidano (non senza ironia e con solida visione intimamente femminista) il processo di ricomprensione dell’Opera “Don Giovanni” di Mozart-Da Ponte, cuore semantico del progetto TIRED DON GIOVANNI, realizzato da INGRATE ETS grazie al contributo del progetto Toscanaincontemporanea2022.

Il repertorio mozartiano cui si attinge, ricomposto live per questo primo step, è acusmatico, ovvero proviene da registrazioni storiche dell’Opera e viene in parte letteralmente sintetizzato e reso midi: un processo di astrazione e simbolizzazione realizzato in collaborazione con Lorenzo Brusci, processo che, in qualche modo, concorre a mettere in crisi quello che il tempo e le stratificazioni critiche hanno effettuato sull’opera e sul carattere del suo protagonista. Il Don Giovanni di Mozart Da Ponte è considerato – con pressoché unanime ed illustre ostinazione – il paladino e il custode dell’edonismo e dell’impulso vitale, il dispensatore di stimoli energetici, il generoso e inesauribile distributore di piacere, l’aristocratico bon vivant refrattario ai legami e alle limitazioni della libertà. In realtà con le sue arie veloci, il confronto musicale constante con il servo, il commendatore alle calcagna e le donne che lo vogliono punire e possedere, Don Giovanni è forse piuttosto corrispondente allo stanco maschio cisgender contemporaneo, sopraffatto dai doveri sociali della propria mascolinità, costantemente in burn-out, che agisce ormai in un vuoto e stancante automatismo in risposta alle proprie pulsioni mortali credendole vitali, schiacciato dagli eventi, dal dover fare, dalla crescita, diktat della società̀ patriarcale in cui è immerso, che prima gli chiede di essere performante, e poi lo uccide.

di Hans Petter Blad
traduzione Cristina Falcinella
regia Marco Di Costanzo
con Domenico Cucinotta e Stefano Parigi
suono Andrea Pistolesi
scene Eva Sgrò
costumi Laura Dondoli
produzione Teatro dell’Elce
con il sostegno di Regione Toscana, Comune di Firenze
residenze artistiche Teatri d’Imbarco E.T.S. e Associazione Atto Due nell’ambito del progetto art. 43 M.I.C. e Regione Toscana in collaborazione con Elsinor/Teatro Cantiere Florida

Thomas è uno scrittore e un marito esemplare, finché una sera si rende responsabile dell’omicidio di una ragazza. In cerca d’ aiuto, si rivolge all’amico Gregers, un avvocato rampante, il cui passatempo preferito è attaccare briga nei luoghi pubblici per farsi picchiare. Dall’idea di normalità che sembrava incarnare, Thomas si vede scaraventato nella schiera di assassini e stupratori che Gregers difende in aula e per cui l’avvocato prova una malcelata ammirazione.
I due amici si recano nell’appartamento di Thomas per accertare la dinamica dell’accaduto, ma il corpo della ragazza è scomparso. E se la donna non fosse morta? Perché inventarsi allora una simile fantasia?
Il drammaturgo norvegese Hans Petter Blad ci accompagna nel dialogo vertiginoso e assurdo fra i due protagonisti mettendo in crisi le definizioni alle quali siamo più ancorati: chi è la gente per bene? Quella che non dimentica mai l’ombrello quando piove? E chi sono invece gli altri?
“E il punto è che non capisci” – dice Thomas a Gregers – “che oltretutto avresti potuto trasformare un uomo innocente in un assassino”: e così, senza che se ne avvedano, quella che è solo un’idea diviene, per i due amici, un destino ineluttabile .

Come si afferra il ritmo? E qual è la musica nascosta dentro gli oggetti? Quale legame unisce la gravità ed il tempo?
Sospensione…  Cambi di velocità…  Caos…  Risate inaspettate…
Sono alcuni degli aspetti che generano e costituiscono lo spettacolo “CATCH THE RHYTHM!”.

Il rendezvous di tre artisti a tutto tondo che genera la magia di uno spettacolo dove gli spettatori letteralmente “CATTURANO IL RITMO!”.
Il binomio Ritmo-Giocoleria, sarà un elemento fondamentale dell’espressione scenica attraverso sequenze ritmiche di percussione corporale, giocoleria e clownerie musicale.
Siete pronti a catturare il ritmo?

Un progetto a cura di Francesco Gherardi e con la collaborazione di Niccolò Piccioli, Federico Macchi e Francesco Gori.
Riprese Video Tommaso Tancredi

La primissima del video di presentazione di “Catch the Rhythm!“, Compagnia Ball Percussion, e la Performance digitale – numero integrale estratto dallo spettacolo realizzato a Murate Art District – all’interno della rassegna digitale di Inverno Fiorentino, come anteprima del nuovo spettacolo a Firenze nel 2021.
Una produzione promossa da Associazione dei Desideri iovoglio.org e realizzata in collaborazione con Murate Art Discritc.

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La Compagnia Ball Percussion dal 2013 porta avanti la ricerca sul ritmo e la manipolazione di oggetti e questa nuova creazione per avvicinare sempre più persone a queste forme d’arte, un invito suonato ad accenti forti per essere tutti più vicini al palcoscenico e le piazze di Firenze nel 2021, con la rinnovata voglia di fare spettacolo e di fruirne, battendo all’unisono lo stesso ritmo

Gaia Nanni e Francesco Gori ci guideranno in un tour virtuale di alcune zone di Firenze, limitrofe alla Manifattura Tabacchi, raccontando i quartieri e dialogando virtualmente con le interviste dei cittadini coinvolti in questo primo Grand Tour digitale.
Questa performance si delinea per “Gran Tour” e “Il Diario Popolare” come l’occasione di unire le loro sinergie e i loro contenuti nella creazione di una performance virtuale volta a sensibilizzare la cittadinanza sull’importanza e il valore del ricordo e della Memoria Collettiva.
Potrete seguire l’evento nella diretta FB di martedì 29 dalle 19.00 in poi sulla pagina di Diario Popolare e di Io Voglio.
Pronti a pedalare?

Un progetto a cura Io Voglio_Ass.dei desideri
Concept e drammaturgia Iacopo Braca
Sviluppo progetto e coordinamento Carolina Pezzini
Conducono la performance Gaia Nanni e Francesco Gori
Riprese Video Tommaso Tancredi e Claudia Ceville
Si ringrazia Francesca Merz; Mirco Rufilli; Manifattura Tabacchi; l’Assessorato del Comune di Firenze; Murate Art District (MAD).

Lighthouse, un progetto di produzione continua di reading sulla cultura civile, si sposta sul web. “Noi ritorneremo!” è l’intestazione di un volantino distribuito dai soldati tedeschi per le strade di Firenze il 6 agosto 1944, pochi giorni prima di lasciare la città, scacciati dall’insurrezione dei fiorentini e dall’incalzare degli alleati. Se è vero che la Storia non consentì ai nazisti di dar seguito a quella minaccia, la sua eco sinistra risuona come monito per tutti coloro che pensano che la libertà sia uno stato acquisito e permanente.

Al racconto vibrante tratto dal resoconto di Carlo Francovich si intrecciano i video originali realizzati presso Murate Art District e in esterno notte per le strade della città di Firenze: le trame video ampliano le risonanze associative della parola e del suono, lo spazio diviene materia poetica per l’evento stesso. Un percorso dal tramonto all’alba per le strade vuote del coprifuoco, la vicenda di un’occupazione, una lotta e una liberazione.

con Erik Haglund, Stefano Parigi, Carolina Pezzini, Monica Santoro
video Maria Montesi
regia Marco Di Costanzo

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Il progetto Lighthouse

le risonanze associative della parola e del suono, gli spazi ospitanti divengono materia poetica dell’evento. Un percorso dal tramonto all’alba per le strade vuote del coprifuoco, la vicenda di un’occupazione, una lotta e una liberazione.

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“Noi ritorneremo!” tratto da “La resistenza a Firenze” di C. Francovich

“Noi ritorneremo!” è l’intestazione di un volantino distribuito dai soldati tedeschi per le strade di Firenze il 6 agosto 1944, pochi giorni prima di lasciare la città, scacciati dall’insurrezione dei fiorentini e dall’incalzare degli alleati. Se è vero che la Storia non consentì ai nazisti di dar seguito a quella minaccia, la sua eco sinistra risuona come monito per tutti coloro che pensano che la libertà sia uno stato acquisito e permanente. La vicenda della liberazione di Firenze tra il ’43 e il ’44 è il racconto della presa di coscienza, da parte di un popolo, della propria dignità e della conseguente scelta di combattere per ottenerla.

Questo lavoro nasce da una condizione immaginata. È una declinazione della visione, a volte un tentativo di simultaneità di tempi e spazi.

Ciò che in natura e in scienza non si può avere, è una forte attrattiva per chi ama maneggiare strumenti utili per l’assurdo, per l’eccezionale.

La materia prima sono due corpi, due elementi dell’ordinario, due persone, due ritratti, due entità scultoree, due frammenti, due e, a volte, un unico. Come creta nelle mani di uno scultore i due corpi sono a servizio di questo esperimento, dello stare e restare e del posare, della trasformazione.

Posiamo per essere guardarti e posiamo il nostro peso, ineluttabilmente sottostiamo alle leggi fisiche della gravità e misteriosamente parliamo senza parole con i nostri corpi, raccontando storie non udibili.

Posare il tempo invita ciascuno spettatore a lasciare da parte il suo insaziabile bisogno di comprendere.

“Il percorso è carnale piuttosto che concettuale e il pensiero è legato al “qui ed ora” che sostiene la scrittura della storia tra i corpi, guida le metamorfosi dei pensieri che vi operano e trasforma costantemente la materia prima: la figura umana […] Nel mio lavoro il tempo opera la progressione della composizione, lo spazio genera le connessioni e il peso radica il senso del gesto”. Claudia Catarzi

Con lo studio a due “Posare il tempo”, prosegue la  ricerca sulle figurazioni, sui parametri della sua composizione e sul ritmo dei suoi paesaggi in movimento, visitati in un viaggio intimo e in una dimensione psicologica partecipata di sottile e forte impatto. La relatività delle connessioni è nella trama del suo operare scultoreo, in dialogo con il suono, per una scrittura scenica peculiare, per una costellazione pittorica di elementi corporei asciutti, privi di ogni compiacimento. Gli istanti, da decifrare e inseguire, si concatenano a opera della pura presenza in un’idea dell’arte del corpo raffinata, controllata, ampliata nei dettagli di una partitura dinamica esatta che elabora segni poetici in un montaggio accuratissimo, scevro di descrizioni nella propria chiarezza nettamente modellata e scandita.

The work, composed by the artist following an investigation into the emotional reactions of the Florentine community, returns a composite and fluctuating emotional portrait of the City.

The “Voices” project is an itinerant, in progress and experimental research aimed at investigating the evocative and musical potential of the voice of ordinary people, in different geographical areas of the planet.

The research, so far carried out at Valencia, Lisbon, Tenerife, Rome, Santiago de Chile, Leipzig, Warsaw, Havana, Buenos Aires, Wuhan, Shanghai, Beijing, now reaches Florence. To the citizens participating in the experiment, convened with a public call, were asked to associate ten emotional parameters (fear, anguish, agitation, anger, sadness, astonishment, excitement, pleasure, joy, calm) with sounds and noises produced exclusively with the voice and the body. The hundreds of sound fragments obtained were catalogued and twisted into compositions created using the Acoustic Autocorrelator, a device capable of create random algorithms of emotional-acoustic walks for acoustic environments.

The three cells on the first floor present an excursus of  Mottola’s work which takes us back to the origins of the experiments of the 1980s and the early 1990s about the concept of “Improvement, Worsening” aesthetic and the categories of “Beautiful, Ugly”, in which the artist reflected on measuring the creative process with relational practices through the direct involvement of the public.

The chromatic exuberance of the most recent works, exhibited in the last cell, reveals the research process of the artist, aimed at restore visual scores responding to the search for aesthetic enjoyment expressed by the user, capable of stimulating the construction of an incentive work to arouse different and profound interpretations on the emotional level.

Vivente è un’installazione multimediale che restituisce un inedito ritratto sonoro del fiume Arno, in cui aspetti sonori e visivi si fondono nella creazione di uno spazio immersivo e contemplativo. L’opera è composta da 128 canne di bambù di lunghezze diverse, sospese dall’alto; ogni canna può suonare sia come aerofono sia come percussione creando, nell’insieme, un ambiente estetico e allo stesso tempo visivo e acustico. Le dimensioni e la disposizione delle canne permettono di suggerire percorsi ed esperienze che i visitatori hanno potuto attraversare liberamente.

JOSEPH, un monologo fisico interpretato da Marco D’Agostin ed ideato da Alessandro Sciarroni, coreografo e performer che nella sua pratica unisce i linguaggi della danza contemporanea a quelli delle arti visive e performative.all’interno di Secret Florence

Nel monologo fisico e tecnologico ideato da Alessandro Sciarroni, l’interprete Marco D’Agostin si muove sospeso in una dimensione tra reale e virtuale. Volgendo le spalle al pubblico per tutta la durata della performance, l’interprete di Joseph si muove davanti alla web cam di un computer portatile il cui desktop viene proiettato su uno schermo visibile al pubblico: tramite espedienti utilizzati fino dalla nascita della video-arte come l’effetto specchio e il circuito chiuso, si gioca il dialogo tra il soggetto e la sua immagine, che si duplica e si scompone in una ricerca inquieta ed intrigante; finché all’esecutore unico dell’assolo si sostituisce una imprevista molteplicità di sguardi e di corpi, aprendo una dimensione nuova e inattesa.

L’autore della performance, prende in prestito il nome da colui che assume su di sé la paternità dell’uomo che nasconde il divino, ma non ci è dato sapere chi sia Joseph, ne dove sia. Non sappiamo se si tratti dell’uomo che vediamo in scena oppure di uno di quegli occhi sconosciuti capitati per caso all’interno del sistema rappresentativo. Il solo perde la sua connotazione di evento performato da un esecutore unico e si riempie di sguardi meravigliati, deformati, raddoppiati e amplificati. Di corpi esposti e pronti all’esposizione, là fuori, chissà dove, dall’altra parte del mondo, ma nel medesimo istante.